现代感性

没有任何价值观或观点会在一夜之间凭空出现；它们都是在某种集体力量的作用下，或顺应、或逆转历史洪流中孕育而生。在这种历史延续中，事物与现象本身便蕴藏着独特的力量。正因我们身处一个各种难以想象的事件每天在世界各地不断发生的时代，本次在京桥画廊举行的群展，特意聚焦于这种延续性，也可称为某种“现代感性”。 森由佳以和纸与天然矿物颜料等具有悠久历史的日本画传统材料创作。与摄影逐渐数字化导致的模拟制作环境不断萎缩类似，因为艺术家人数减少，高质量的日本画材料变得越来越稀有。尽管日本画因其历史和反复出现的主题而常被贴上某些刻板标签，但森由佳借助植物这一“传统”意象，描绘人与自然之间的流动、混合世界。她通过对植物生长环境的细致观察、自身身体感受的参与、在传统日本画中罕见的笔触运用，以及引导观众视线关注到木框侧面的技法，展现出一种安静的反抗精神与价值再审视。 新里明男的艺术实践，是通过不断的自我反思不断进化，并以先锋方式与陶艺的历史对话甚至“粉碎”。他的代表作“光华”被认为是当代陶瓷的杰出之作，以精湛手工和成百上千小时的反复研磨诞生。然而近年来，艺术家尝试将完成的作品亲手打碎，通过让“光华”陶器中潜藏的要素浮现出来，开启下一个创作阶段。从扭曲和切割带来的光影变化，到色彩运用增强的物质感，这种探索始于“光华”的完成，至今未止。有时，他脱离最熟悉的陶与塑形技法，创作出完全不同风格的作品，也让观众眼前一亮。欢迎观众细致观察这些陶艺作品如何超越物理边界，操纵光影并扩散到空间之中。 长政清一郎的绘画让语言变得精炼，而语言又拓展了绘画的边界。这种感受不仅因为他同时是一位俳句诗人。当我们站在他的抽象作品前会感受到什么？色彩组合和排列尺度带来的节奏感，色彩中潜藏的深层次层次，油彩晕染和画笔痕迹，以及颜料龟裂，仿佛有某种东西走到极限又折返，继续在画布上游走。但那究竟是什么？艺术家提出“捕捉心灵中的风景”，暗示抽象画中仍蕴藏着某种具体。观察那些偏离节奏却保有生生质感的元素时，仿佛各种词语被绘画吸收又以另一种形式回归，形成往复的交流。绘画有着悠久历史，在长政作品中能感受到坚定意志——对永恒感的渴望。 田畑浩一通过在两块错位的画板上作画，最后拼合成矩形来化解最初的不对齐，这种过程反而孕育出新的错位，使作品得以完成。除了绘画，田畑还创作影像和拼贴作品，但贯穿始终的主题是对“运动”的关注。在视觉文化历史中，某些绘画所承担的角色早被摄影替代，后又发展为动态影像，这早已成为常识。然而，绘画拥有超越功能本身的美学，历经各时代社会条件与感性的变迁，至今仍引发热烈讨论。在田畑浩一的作品中，错位孕育出属于绘画的独特空间，这是历史的汇聚之地，让我们能真正体会和享受这“绘画性空间”。